TK-21

Au commencement était le Sexe

Martine Catois — 2017-04-30T22:56:34Z

Sauveur. Chargé d'immortalité. Il y a la Bête. Héroïque. Puissante. Et au-delà de la Bête il n'y a rien. Rien sinon Dieu lui-même. Magnifique et pesant. Avec son œil de glace. Rond. Statique. Démesurément profond. Fixe jusqu'à l'hypnose. Tragique regard d'oiseau. Allumé et cruel. Impénétrable de détachement. Rivé sur l'infini d'où tout arrive.
[…] exploser enfin et naître dans un râle extatique, infiniment pur, infiniment magique, inégalable ? Plus émouvant qu'aucun autre chant au monde. Le seul cri de l'âme. Quelle plainte est-ce ? De quoi cette plainte s'approche-t-elle ? Profondeurs ou sommets ?
Profondeurs et sommets, le sexe est mort et résurrection.

Louis Calaferte, Septentrion, 1990, Folio Éd. Denoël

— Tu sais qui je suis ?

Ironique.
— Une débauchée.

Son mouvement lascif.
— Débauchée, luxurieuse, corrompue, déréglée, voluptueuse, immorale, libertine, dissolue, sensuelle, polissonne, baiseuse, dépravée, impudique, vicieuse.

Me baisant la main avec une feinte dévotion.
— Et malgré tout ça, je veux qu'on m'aime.

Louis Calaferte, La mécanique des femmes, 2004, Folio Éd. Denoël

Dé-Croire #1

Hélène Tyrtoff , Martial Verdier , Martine Catois et Sylvain Paris — 2016-10-30T10:10:00Z

Les liens entre les différents modes de représentation sont évidents. Pourtant le passage de l'un à l'autre ne l'est pas. Comment, par exemple, passer de la peinture et du dessin à la photo, et plus avant, de l'image accrochée au mur à l'installation en passant par la performance ?

Exposition du 31 octobre au 6 novembre 2016 – Vernissage le 2 novembre

Les œuvres fines et poétiques de Martine Heyner-Catois rencontrent une photographie-peinture plus brute, celle de Rrose Semoy dans un subtil équilibre jouant sur l'espace et les formes.
Ces deux parcours, ces deux expériences montrent de manière différente comment l'œil du plasticien rencontre la photographie.

Une rencontre dans le contraste des formes.
Entre des recherches du vide et des recherche du plein entre yin et yang
Un paysage décor et un paysage des corps.

9 Martine Catois

25 Martial Verdier

Rrose Semoy (innuit siniswitchi, Hélène Tirtoff, Martial Verdier)

L'Atlas Rrose Semoy est un chemin, un peintre, un photographe invisible, une écrivain, des modèles.

Un peintre peint. Une écrivain sous la peinture, une photographie des corps peints, parfois du peintre, parfois de l'écrivain. L'écrivain parfois peinte, écrit. Et le peintre peint la photo, une autre.
Tout est supporté par les corps.

Dans la nature un modèle est peint de formes abstraites s'inspirant du lieu, utilisant des matériaux trouvés sur place quelquefois.
Pendant l'action un ou deux peintres peuvent agir, les rôles s'échangent entre peintre et peint.
Le tempo est donné par la photo, le calotype prend entre 15 et 30 mn, c'est le temps du tableau, vivant.
Cette image est donc celle de la peinture in progress, depuis le modèle nu jusqu'au modèle habillé par les pinceaux. Et seuls s'inscrivent sur la surface sensible le modèle immobile et un peu de paysage et disparaissent les acteurs mobiles trop rapides pour être saisis par la très lente technique.

Il reste à la fin une image un peu floue, teintée plus ou moins aléatoirement, qu'il faudra peut être colorisée légèrement pour rendre le travail des coloristes.
De cela et de toutes les images curieuses et scrutatrices qui sont prises en parallèle pour témoigner de la performance, le peintre refait des tableaux.

De ces allers et retours naissent les textes qui s'enchâssent dans les images.

Et Rrose est l'Atlas.

atlasOvni from Martial Verdier on Vimeo.

a linea
« Nous vivons presque toujours derrière des écrans », disait Francis Bacon. L'œuvre du peintre, à partir de 1945, n'aura de cesse de décortiquer l'être, le débusquer, le dépecer, pour mieux l'arracher à l'apparente représentation qu'il donne de lui-même.

La fin de la guerre et la découverte des atrocités marquent un réveil du regard, un écarquillement sidéré des yeux face à cette « existence voilée d'écrans » dont parlait Bacon.
Si la libération, comme son nom l'indique, libère les hommes du joug ennemi, elle éloigne aussi des peurs et des angoisses, des terreurs passées, et la mémoire, au fil du temps qui passe, se fait sélective, condition inhérente à la nature humaine pour continuer à vivre.

Alors, ce sont les souvenirs qu'on se forge qui restent : peur des bombardements et des rafles, descente aux abris, restrictions alimentaires... toute une vie bousculée émerge et prend forme jusqu'à ce que la fuite devienne la seule issue : partir, se mettre à l'abri quelque part, ailleurs, là où, sans doute, les yeux peuvent percevoir un calme retrouvé, un paysage plus serein, la sollicitude des autres qui aident à surmonter la peur.

Ce sont les traces de tous ces souvenirs qu'on tente de comprendre : quelle part d'embellissement, quelle part de vérité émergent des paroles dites et ressassées au fil des années qui suivent ? Que faut-il — que peut-on — voir derrière les images lisses qui restent accrochées dans l'esprit, écrans, encore, images tronquées d'un tumulte noir qui s'estompe ? Retourner sur les lieux, alors, refaire le chemin qui mène de l'horreur à l'exil forcé, comprendre les mécanismes de protection à l'œuvre qui ne gardent que les bons moments, instants volés à l'angoisse. Puis, lire entre les lignes, dans l'espace blanc, vierge, d'une mémoire sélective. a linea.

L'homme oublie vite. La fin du XXe siècle en Europe, avec son cortège de reconstructions, d'avancées à grands pas comme pour conjurer le mal, de découvertes technologiques, multiplie les écrans pour oublier l'effroi et ferme les yeux sur les malheurs du reste du monde. Mais comment ne pas voir, ailleurs, ce qui fait aujourd'hui tressaillir la planète et jette sur les routes des milliers d'exilés ? Peut-on occulter, à nouveau, la répétition d'une Histoire qui vacille et tourne en rond ?

« Qu'il se réjouisse,
Celui qui respire en haut dans la lumière rose !
Car en dessous, c'est l'épouvante.
Et l'Homme ne doit pas tenter les dieux
Ni jamais, au grand jamais, désirer voir
Ce qu'ils daignent couvrir de nuit et de terreur. »

Shiller, in "Le Plongeur" , (1797)

Vidéo accompagnant l'exposition de Martine Heyner Catois from BERNARD Hervé (rvb) on Vimeo.

Exposition du 31 octobre au 6 novembre 2016 – Vernissage le 2 novembre

Sismographe de nos croyances

Martine Catois et Pol Lujan — 2016-02-23T21:33:54Z

Photographe de la rue, Pol Lujan arpente la ville et en capte ses humeurs : au milieu de la foule, dans une gare, une ruelle presque déserte, ici ou ailleurs.

En mars, Pol Lujan investit « l'Appart » de DiverZarts. Son exposition a pour titre : Croyances Photos Créalités. Elle se déploie dans la grande pièce centrale de l'appartement : sur un mur, une pyramide de photographies monte vers le plafond. Sur d'autres, quatre tirages grand format noir et blanc et un autre saturé de rouge. Et puis, il y a un écran d'où, inlassablement, surgissent d'un diaporama en boucle, de multiples figures, des personnages, des situations, des scènes qui tous nous renvoient une image diffractée de ce que nous sommes.

Gens, foules, multitudes, passions et convictions, excès ou discipline… mais aussi solitudes, abandons, exils, retranchements et disparitions : les images de Pol Lujan semblent répondre au cycle même de la vie. Issus de l'eau puis retournant à la terre, entre naissance et mort, tous ces êtres que nous sommes paraissent avoir besoin, pour poursuivre leur chemin, de « croire » en un avenir meilleur que le présent qu'ils vivent chaque jour.

Croyances Créalités : dans cet énoncé aux sonorités bizarres – où la réalité, malgré elle, semble à la fois submerger le reste et se laisser avaler par la bouche ouverte de la croyance – Pol Lujan constate que le quotidien de chacun ne peut être supporté sans une certaine croyance, qu'elle soit religieuse, sociale, politique, écologique...
Photographe de la rue, il arpente la ville et en capte les humeurs : au milieu de la foule, dans une gare, une ruelle presque déserte, ici ou ailleurs. Ce sont les gens qui l'intéressent, ceux-là même dans lesquels il se voit, lui, comme dans un miroir. Eux, c'est lui. C'est nous. Dans leurs attitudes banales comme dans leurs écarts, dans leurs sages rituels comme dans leurs folies, il décèle les gestes qui les poussent à continuer de vivre encore et encore chaque jour.

Pol Lujan est un enregistreur. La main prolongée de l'appareil, il consigne sur papier photo les informations qu'il tire de ses déambulations. Mines de renseignements, indices, anecdotes ou événements de grande envergure, ses images sont le sismographe de la vie ordinaire. Adepte du noir et blanc, il y trouve une manière efficace de sublimer l'instant. Entre lumière et ombres qui se profilent, se révèlent des morceaux de vie, des moments à la fois fugitifs et éternels, des opportunités de rencontres avec les autres.

Qu'est-ce qui pousse l'homme à rechercher le contact de ses semblables au sein d'un groupe ? Qu'est-ce qui le fait s'engager dans une démarche assez folle, voire même utopique, s'il ne se sent soutenu par les autres dans un même élan, un même espoir de rendre possible ce qui, seul, lui aurait paru insurmontable : changer les choses, se battre contre l'injustice, résister aux pressions, mais aussi accomplir des actes démesurés ou grandioses ? Les foules, c'est bien connu, sont capables des meilleurs comme des pires agissements…
Qu'est-ce qui le pousse cet homme à commettre parfois des gestes inconsidérés, irresponsables voire irréparables, envers lui-même ou les autres, sans quelque « folie » apparente ? Qu'attend-il lui-même de la vie, quitte à la risquer, à s'anéantir, à anéantir ses semblables ? Quelle motivation le pousse, quel objectif, au-delà de sa propre personne, veut-il tenter d'atteindre ? Quel idéal lointain, quel absolu, l'entraîne parfois à l'extrême ?

Dans les images qu'enregistre Pol Lujan, peuvent se discerner toutes les manifestations que l'homme invente pour s'adapter à l'existence, qu'elle soit banale ou problématique, démunie voire même critique : situations communes, actions que l'on répète quotidiennement, événements surgissant au détour d'une rue, au gré d'une déambulation.
Dans les rues passantes de la grande ville qui absorbe chacun sans possibilité d'issue, les uns se démarquent par des attitudes (harangues, gestes ou paroles outrées, vêtements criards, signes distinctifs, …) qui veulent montrer, parmi la foule des anonymes, qu'ils sont là, qu'ils existent.
D'autres au contraire se réfugient dans une retraite solitaire, à l'écart. S'isoler parmi les autres pour lire le journal ou faire une prière, cela participe-t-il d'un besoin de repli sur soi ?

Qu'attendre des nouvelles du monde si ce n'est tenter de déceler, parmi les catastrophes qui remplissent les colonnes, l'espoir d'une amélioration de la vie ? Qu'attendre de la foi, d'un au-delà promis comme possibilité de rédemption, de paradis, face à celui qu'on ne peut trouver sur terre, qui toujours nous échappe, si ce n'est poursuivre sa route grâce à la certitude d'accéder ensuite, au bout du chemin, aux cieux promis ?

De la Terre-Mère que l'on embrasse de son corps au ciel au-dessus de nos tours, de l'eau dans laquelle on baigne au feu qui nous dissout, de l'air que l'on respire au bois qui nous recouvre, on ne peut continuer d'avancer sur la route qui se déroule sous nos pas sans cette certitude que demain sera certainement plus serein, à condition que l'on y croie encore, sans cette conviction que, dans l'avenir, pour chacun, il reste encore des chances à saisir…

Après le déferlement des images sur l'écran, la pyramide de Pol Lujan nous montre-t-elle un des chemins à suivre ? Le chemin monte, certes, mais il est semé d'embûches, à l'instar de ce christ barricadé d'échafaudages et dont la voix, peut-être, ne porte plus si loin. Pourtant là-bas, tout en haut, sur le parapet du pont, un ange ? Mais le chemin qu'il emprunte ne semble pas non plus dénué de risque…

Une exposition de © Pol Lujan à l'appart DiverZarts – 12/13 Mars 2016 de 15h00 à 21h00
– CROYANCES – PHOTOS – CRÉALITÉS –
Une présentation d'Art© du photographe Pol Lujan
Confirmez votre présence sur : appart diver zarts

L.A. Women

Martine Catois — 2015-11-25T19:08:08Z

Lors des trois jours de Fotofever, au Carrousel du Louvre, seize photographes ont envahi le stand de Fabrik Projects, espace d'exposition présenté par Fabrik Magazine, publication californienne traitant de l'art, du design et de l'architecture.

Femmes photographes

Seize photographes. Femmes. Sarah Hadley, curatrice, elle aussi photographe, a fait ce choix délibéré car, dit-elle, les femmes photographes ne sont pas assez représentées de par le monde.

Pourtant, si des hommes sont bien – et pour causes – à l'origine de l'invention des premiers procédés photographiques (les femmes, compagnes, épouses… ne sont pas mentionnées dans l'histoire officielle qui ne peut confirmer quel fut, peut-être, le rôle qu'elles jouèrent auprès de leurs « chers inventeurs » au sein du foyer, laboratoire ou atelier…), les femmes, très tôt, s'emparent du procédé (1839 : date à laquelle on attribue à Constance Talbot la première photographie faite par une femme, dans le prolongement de la découverte de son époux, William Fox Talbot). D'une pratique amateur trouvant ses sujets dans la sphère domestique (avec une majorité de portraits de proches), les femmes comprennent qu'il leur faut adopter des stratégies d'approche pour parvenir à s'infiltrer dans un domaine jusqu'alors réservé aux hommes. D'amateur, certaines deviennent donc très vite professionnelles et peuvent alors développer, au même titre que les hommes, une pratique photographique en accord avec leurs aspirations profondes, bien plus proches des questions sociétales qui se posent à l'aube du XXe siècle. Du monde de l'enfance à la vision personnelle d'un intime féminin, des portraits illustres au nu – féminin mais aussi masculin – face aux représentations qu'en donnaient jusqu'alors les hommes, elles franchissent rapidement le fossé qui les sépare de la photographie masculine et établissent un équilibre qui se concrétise, certainement, à l'aube de la première guerre mondiale, par leur investissement sans précédent dans le domaine social, défendant la cause des femmes qui agite alors la société. Féministes, elles le sont par la volonté de prendre place, professionnellement, aux côtés des hommes, dans la marche rapide des progrès que connaît le médium photographique ; artistes, elles s'emparent de celui-ci au même titre qu'eux lorsqu'elles pensent la photographie comme moyen pour exprimer au plus près leurs idées, provoquer un questionnement.

Petits formats

Plus qu'un choix délibérément « féministe », sans doute Sarah Hadley a-t-elle souhaité pouvoir mettre en lumière la richesse et la variété d'artistes américaines inconnues ici, en Europe. Variété, car aucun thème n'a présidé à l'accrochage. Cependant, disposé en séries, la qualité de celui-ci a l'étrange pouvoir de rassembler des artistes aux procédés différents en une vision globale unitaire.

Parcourant les allées des stands de Fotofever – et à la suite de l'arpentage de ceux de Paris Photo – un premier constat — et de taille, justement — apparaît : bien loin de la majorité des tirages surdimentionnés présents actuellement dans le monde de la photographie contemporaine, ceux sélectionnés par Fabrik Projects sont de dimension réduite. Il s'agit tous de petits formats, à l'instar de ceux, coutumiers et plus anciens, que nous avons gardés en mémoire, et qui jalonnent l'histoire de la photographie. Il faudrait alors s'interroger sur la « mode », largement diffusée dans les galeries actuelles, de tirages grandioses de par leur taille : quel but ? Quel surcroît de vision offrent-ils ? Quelle réception « augmentée » le spectateur en a-t-il ? Quels artistes, majoritairement, pratiquent les très grands tirages ? Hommes ? Femmes ? Autant de questions importantes dont il conviendrait de débattre…

Paysages et portraits

Multitude de petits formats, donc, sur le stand de Fabrik Projects. Délibérément, pourrait-on dire, les séries accrochées ici ne présentent pas même d'unité quant à la mise en valeur de chaque photographie. Chacune des photographes invitées a gardé la présentation qui lui était propre : avec ou sans encadrement, blanc, noir, doré, tailles diverses au sein d'une même série… L'unité se trouve ailleurs. Entre paysages et portraits, il s'agit sans doute davantage d'une même vision du monde que partagent les photographes de Fabrik Projects : pourquoi les paysages (représentés ici en minorité) se présentent-ils le plus souvent d'une façon éthérée, ou même diluée (Marian Crostic, Sarah Hadley, Maggie Meiners, J. K. Lavin, Jessie Chaney) ?

Sarah Hadley

Qu'y a-t-il à percevoir ici, au milieu de ces étendues nues, désertiques ? Serait-ce tenter de retenir ce qui semble nous échapper ? Les beautés de la nature sont-elles déjà en voie de disparition (Kit Chaney, Marian Crostic, Jessie Chaney) ? Dans cette dilution alors, quelle place pour l'humain ? La position que lui réservent ici les photographes n'est déjà plus qu'une ombre, silhouette humaine mêlée à celle des végétaux dans une lente mais inexorable disparition (Sarah Hadley, J. K. Lavin, Jessie Chaney). Submergé de plus en plus par le monde technologique, connecté à tout va jusqu'à lui-même devenir un être virtuel, l'humain est-il encore en mesure de regarder autour de lui et de comprendre qu'il doit faire corps avec la nature, elle et lui embarqués, au sein de l'univers, dans un même devenir précaire ?

Marian Crostic

J. K. Lavin

Corps, mémoire et mise en scène

En contrebalançant justement ces vues éthérées par des corps, les photographes prennent le parti d'entamer – de renouer – un dialogue avec ce qui nous entoure. Faut-il que ce soit les femmes qui perçoivent davantage le fossé qui se creuse, et tentent d'alerter ? Pour ce faire, les femmes présentes ici utilisent deux procédés : le recours à la mémoire et la mise en scène du corps, notamment féminin (notons qu'il n'y a, dans l'exposition, pratiquement aucune figure masculine).

La mémoire, ce sont ces petits riens (objets, lieux, attitudes, événements…) qui surgissent de notre pensée en de brefs moments, comme à contre-courant de l'instant présent, qui obligent à un arrêt – fugitif – mais permettent, aussi, de se situer, d'affirmer une présence dans la marche continuelle de la vie : présence parmi les autres, proches, lointains, attestation, que l'on tente de confirmer, d'une filiation à son histoire personnelle : renouer les fils distendus qui permettent de savoir d'où l'on vient pour continuer d'avancer (Eleonora Ronconi, Bootsy Holler, Jessica Tampas).

Bootsy Holler

Attestation aussi, si lointaine qu'on pourrait l'oublier, à l'histoire des femmes, au travers de toutes ces images, depuis la nuit des temps, que les hommes ont données de la femme. Images lisses de mères originelles, corps séduisants, chair sexuellement attirante et envoûtante. Ne pas oublier, donc, d'où l'on vient, mais accepter aussi les regards qui transfigurent les corps mais confirment le rôle essentiel des femmes (Susan Aurinko, Tami Bahat).

Susan Aurinko

Tami bahat

La mise en scène, c'est peut-être le dernier moyen découvert pour obliger les regards, porter son attention autrement, alerter d'une situation. Certaines choisissent de renouer avec le portrait à la manière des peintres classiques, mais, dans le regard et l'attitude des jeunes femmes photographiées se discernent des questionnements sans réponses, sorte de lassitude qui les font, parfois, tourner le dos à l'objectif (Aline Smithson, Tami Bahat).

Aline Smithson

D'autres documentent le quotidien par des sortes d'arrêts sur image qui célèbrent des instants anodins et les transfigurent par le travail de mise en scène (Susan Swihart, Laura Husar Garcia, Lisa MacCord, Jodi Swanson). Cette mise à distance par le procédé de la mise en scène pousse à plonger plus loin dans la pensée, à tenter de traduire le langage employé pour comprendre ce qu'elles perçoivent du monde ; à dire, enfin, que les femmes sont toujours présentes, que les hommes sont obligés de compter sur elles, avec elles, pour démêler les fils enchevêtrés dans lesquels nous sommes plongés, et tenter de répondre au fur et à mesure aux questions nouvelles qui se posent, aux anciennes toujours d'actualité, notamment celles, encore, qui concernent le statut des femmes, ici et ailleurs.

Laura Husar Garcia

Lisa MacCord

Fabrik Magazine : http://www.fabrikmagazine.com
Fabrik Projects : http://www.fabrikprojects.com

* Photographie en logo : Laura Husar Garcia

Cri du cœur

Martine Catois — 2015-03-25T11:44:40Z

A la galerie Sit down, au sein de l'exposition "Perceptions singulières", qui réunit trois artistes, Camilla Pongiglione, à travers une série d'images intitulée "For heart's sake", tente de lever un peu du voile des secrets que recèle l'organe essentiel de notre corps : le cœur.

La vie ne tient parfois qu'à un fil. Accidents, maladies, émotions trop fortes, tout peut chavirer d'un instant à l'autre dans ce corps qui nous est donné, et avec lequel on doit composer. À partir d'une expérience intime, Camilla Pongiglione déroule ce fil orchestré par le cœur, maître d'œuvre de la demeure dont nous dépendons.
Entre anatomie du corps humain et métaphores, dessins et photographies, elle nous emmène tout au long d'un chemin que des circonstances personnelles, à l'origine de son travail, ont ouvert : l'attaque cardiaque de son père. Le cœur, pour elle, était jusqu'à peu histoire familiale et familière, planches anatomiques dont la connaissance fut sans doute facilitée par les orientations professionnelles des hommes de la famille (arrière grand-père professeur d'anatomie, père cardiologue).

Touchée, justement, en plein cœur par l'accident de son père, les questions fusent : comment ce cœur, à la fois si fragile mais robuste, peut-il nous lâcher d'un coup, sans prévenir ? Quelle pièce, dans la machine, s'est enrayée ? Quelles causes, physiologiques ou émotionnelles, ont pu provoquer un court-circuit ? Camilla Pongiglione veut comprendre. En elle, se mélangent et défilent des images passées et présentes : planches d'anatomie, souvenirs de complicité familiale, visions brutales du cœur ouvert de son père. Elle aussi ouvre son cœur et libère, en une catharsis bienfaitrice, un trop-plein de sensations emmêlées.
Mettre à jour tout ce que contient notre cœur, est-ce possible ? Venue de l'architecture dont elle a gardé le souci d'ordonnance et de composition, Camilla Pongiglione, méthodiquement, scientifiquement, cherche à en comprendre la structure interne en des dessins aux traits précis mais qui, très vite, sont submergés d'émotion : irrigation, greffes-ramifications végétales, cœur fendu, découpé pour tenter d'en saisir le secret profond.

Au travers de ces entrelacs sans fin, nous percevons, justement, ce que nous ne pourrons jamais qu'entrevoir : au plus profond de notre cœur, une porte s'ouvre sur l'inconnu. D'où venons-nous ? Ténèbres des prémisses, mystère de la création humaine dont les battements du cœur sont les premières manifestations, « first organ can be felt inside the mother's womb ». Il y a, dans ce secret primordial, une aspiration au sacré, et les flammes qui montent sur l'une des photographies nous élèvent à la rencontre de l'univers, terre, ciel, animaux, hommes et plantes confondus. Du micro au macrocosme, de contraction en dilatation, Camilla Pongiglione embrase pour nous la vie dans ce qu'elle a de plus complexe : c'est un cœur réel qu'elle montre, mais aussi traversé de désirs, de contradictions, de peines et de joies.

Au cheminement de plus en plus précis de ses dessins, répondent alors, comme un écho venu de la mémoire, les photographies d'un coin de soi : souvenirs ressurgis, tirages anciens, lieux emblématiques et chargés. Le va et vient du dedans au dehors donne à la série une dimension ontologique : cœur blessé, tuyaux en jachère qui attendent d'être raccordés en passant par un sas de déchoquage, multitude de filaments qui irriguent, en un réseau complexe, l'organe moteur et, grâce à lui, l'ensemble de notre corps, ligne d'horizon si droite, trop calme sur la mer qu'elle demanderait, comme l'électrocardiogramme, à se remplir de soubresauts de vagues régulières, arbre au cœur blessé, sans doute écho au miroir de nos passions insondables.

Coeur à la fois résistant et fragile, mais aussi cœur ouvert à tous nos émois : le travail de Camilla Pongiglione nous plonge vers les profondeurs obscures de notre corps, là où commence et finit la vie, là aussi où pour nous, restera le mystère.

SIT DOWN 4, rue Sainte-Anastase ... 75003 Paris
www.sitdown.fr ... tél. +33 (0)1 42 78 08 07
Perceptions singulières
Camilla Pongiglione, Øyvind Hjelmen, Ilaria Crosta & Niccolò Hébel
Exposition du 14 mars au 18 avril 2015

Noli me tangere

Martine Catois — 2014-11-28T11:42:17Z

...Car ô ma chevelue de feu tu es la torche
Qui m'éclaire ce monde et flamme tu es ma force
....Je regarde ta photo tu es l'univers entier
J'allume une allumette et vois ta chevelure
Tu es pour moi la vie cependant qu'elle dure
Et tu es l'avenir et mon éternité
Toi mon amour unique et la seule beauté.
Apollinaire, in Poèmes à Lou, VIII

Rouge et noir. Le soleil et la lune. Le feu et la nuit. Entre les deux, la blancheur des corps, comme une tentative de rééquilibre des deux extrêmes. Dans la série de photographies qu'il présente à la galerie Sit Down, les femmes de Richard Schroeder sont nues. Et rousses. Toutes.

« Vénus, I'm not like everybody else » annoncent-elles chacune. Est-ce à dire que les préjugés d'autrefois qui faisaient des roux des personnes différentes persistent ? Dans le monde, les roux ne représentant que 1 à 2 % de l'humanité, on peut en effet affirmer qu'il s'agit là d'une minorité qui, comme telle, n'a pas échappé, au fil du temps, aux clichés, stéréotypes, et autres affabulations les plus folles, bien souvent à dominante négative. De l'observation du phénomène de rousseur tirant vers une catégorisation peu flatteuse dès l'Antiquité, l'appartenance au dieu Seth, divinité primitive malfaisante chez les égyptiens (avant que Ramsès II ne s'en approprie la filiation), en passant par l'assimilation au vice, aux pulsions sexuelles et donc à la vie dissolue des prostituées dans la Bible, puis, même, la sorcellerie au Moyen-Age, malédiction des corps possédés par le diable, les êtres roux portent les stigmates visibles de leur altérité, rouge fanal de leur chevelure – et de leur toison secrète – qui, en les particularisant, les sépare aussi des autres.

Vénus ou Lilith ? De la Vénus, les femmes de Richard Schroeder gardent, par la blancheur de leur peau, cette beauté innocente des premiers matins du monde, sorte de Marie intouchable, mère virginale et originelle. De la rouge Lilith telle que la mythologie nous la présente, elles possèdent le tempérament de feu, la fougue et la passion, l'exaltation jusqu'à la violence, sang des menstrues qui se répand comme une vengeance aux humiliations subies, rouge carmin sombrant dans la profondeur et la noirceur de la nuit, jusqu'à pactiser avec le diable, jusqu'à, même, vampiriser les hommes. Entre Le vampire (1893) de Munch et L'espoir (1903) de Klimt, ce sont tous les aspects de la femme qui émergent ici.

Mais, dans les bûchers aux sorcières du Moyen-Age, les chevelures rousses s'échappent et s'élèvent au travers des flammes : de la pècheresse à la Vénus, de la malédiction à la pureté, les femmes de Richard Schroeder accomplissent le passage nécessaire à toute rédemption. « Chevelure trempée dans le sang des amours » (Apollinaire, in Poèmes à Lou, XXXIII), « Blanche fille aux cheveux roux » (Baudelaire, A une mendiante rousse, in Les fleurs du mal), Marie-Madeleine tellement humaine, elles dessinent le portrait de chacune d'entre nous, femme aux multiples facettes mais dont le mystère reste secret.

Sans doute est-ce bien là, dans ce secret enfoui depuis la nuit des temps au plus profond d'elles-mêmes, que réside leur différence, différence commune à toutes, par-delà la rousseur de leur chevelure, mystère éternel des femmes, inaccessible, à ne pas, même, chercher à élucider. Au travers des photographies de Richard Schroeder, chacune d'elles, chacune d'entre nous, vous regarde et porte, au travers de ce regard, la distance qui ne pourra être franchie. « I'm not like everybody else ». Noli me tangere.

Voix romaines

Martine Catois — 2014-10-28T16:14:37Z

Roma Amor : un livre de photographies de Jérôme Sevrette accompagné d'un texte de Jean-Louis Poitevin qui paraît en novembre aux Éditions de Juillet.
Loin des vrombissements des scooters et de la Dolce Vita, Roma Amor nous délivre une vision contemplative de la ville éternelle, dans ses aspects les plus romantiques. Les ruines, la statuaire et les détails architecturaux forment le décor d'un tableau qu'Hubert Robert n'aurait pas renié.
Le texte de Jean-Louis Poitevin propose une libre interprétation des images, en forme d'un vagabondage hors du temps, dans une Rome désertée, éternelle.

C'est une balade. Une déambulation. Loin des circuits touristiques, Jérôme Sevrette est revenu à Rome. Au détour, de ses photographies émergent, peu à peu, des voix qui tentent encore, toujours, de se faire entendre. Celles des dieux de jadis, portées par les vestiges, parviennent-elles toujours jusqu'à nous ? Ne font-elles pas que se heurter contre les murs décrépis d'aujourd'hui, nous laissant ainsi face à eux, épuisés et muets ?

Dans les voies romaines désertes, elles ricochent sur des restes sans vie de notre civilisation industrielle.

Comme en écho au dialogue que tente de renouer Jérôme Sevrette, Jean-Louis Poitevin pose des mots sans illusion au sujet de notre propension à entendre ces voix qui viennent d'outre-temps. Que veulent-elles ? Que peuvent-elles nous dire, nous révéler d'aujourd'hui ? Frémissantes encore mais si peu, « souffle d'image qui déchire le silence », se sont-elles usées à force de nous mettre en garde, siècle après siècle, sur le devenir sans avenir de notre humanité ?

Seul dans la Rome éternelle, impassible et serein, insensible aux ruines d'hier comme à celles de demain, le chat, sans doute, les capte et les comprend.